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15. April – 29. April 2026

Vernissage: 15. April 2026, 18:00 Uhr

Roman Sadnik singt Amy Winehouse, Cat Stevens und Sia

D0 + Fr: 16:00 bis 19:00 Uhr, Sa: 14:00 bis 18:00 Uhr, So: 11:00 bis 14:00 Uhr

Finissage Mittwoch, 29. April 2026, 16:00 bis 20:00 Uhr

Die hier gezeigten Arbeiten auf Papier entfalten sich im Spannungsfeld
der Alchemie der Farben und der Magie der Naturelemente. In vielen
Motiven lassen sich Anklänge an minerale Welten erkennen:
sedimentartige Strukturen, Verdichtungen, Ablagerungen. Farbe erscheint
nicht als bloßes Mittel der Darstellung, sondern als eigenständiges
Material mit innerer Dynamik.
Charakteristisch sind die Tiefe und die feinen Schattierungen, die durch
den physischen und spontanen Gestus des Künstlers entstehen. Die
Arbeiten sind weniger Abbilder als Festhalten von Momenten – Spuren
einer konkreten Bewegung, einer situativen Entscheidung.
Die Werke entstehen ohne Einfluss KI-generierter Verfahren. Sie sind
Resultat leiblicher Präsenz, materieller Auseinandersetzung und
individueller Handschrift.

09. April – 12. April.2026

20. März – 3. April 2026

16. Jänner 2026 – 14. Februar 2026

BÜROKRATIE ALS LANDSCHAFT

In seiner aktuellen Ausstellung zeigt Klaus Stattmann neue Arbeiten, die ein neues Stadium markieren.

Ausgehend von Formularen, Zahlscheinen und digitalen Rasterstrukturen werden administrative Systeme nicht als Ordnung, sondern als Terrain lesbar: als Landschaften aus Verzögerung, Widerstand und Übergangszonen. Die Bilder zeigen keine Abläufe und keine Funktionen. Sie zeigen Zustände.

Wo auch immer 2.0 und Informelles Warten 2.0 stehen im Zentrum der Ausstellung. Beide Arbeiten begreifen Bürokratie nicht als Maschine, sondern als Gelände – als Raum, in dem Bewegung geführt, gebremst oder auf unbestimmte Zeit gehalten wird. Figuren erscheinen nicht als Akteure, sondern als Maßstäbe. Linien und Eintragungen als Spuren von Versuchen.

Die Landschaften dieser Bilder sind nicht leer, aber unbestimmt. Bedeutung entsteht nicht im Fluss der Information, sondern dort, wo Prozesse auf Widerstand treffen. Wo etwas nicht weitergeht, wird es erfahrbar.

Die Ausstellung versteht sich als Momentaufnahme eines Systems im Schwebezustand: zwischen analoger Geste und digitalem Prozess, zwischen Eintragung und Verschwinden, zwischen Bewegung und Stillstand.

„die Winterpalette“ – eine Gemeinschaftsausstellung und eine Begegnung zwischen Schmuck und abstrakter Malerei

Zwischen 11. und 14. Dezember 2025 präsentieren Maria Dakopoulou, Cornelia Gänger, Bettina Laimer-Sutner, Stephanie Bacher und Verena Hobl ausgewählte Werke.

14. November – 6. Dezember 2025

FLINTA. Scham. Nein, Danke.

Eine Ausstellung über Scham, Körper, gesellschaftliche Erwartungen und Selbstermächtigung.

In Malerei und Collage zeigt Marzena Karamon fragmentierte, kraftvolle Figuren, die zwischen Verletzlichkeit und Stärke, Zerrissenheit und Freiheit stehen.

Unvollständige Körper, Stimmen ohne Raum – ein Spiegel gesellschaftlicher Strukturen, die bestimmen, wer gesehen und gehört wird.

Ihre Arbeiten fragen, was wir sehen wollen und was wir lieber unsichtbar halten.

Die Ausstellung ist eine Einladung, das Unsichtbare sichtbar zu machen.

FLINTA. Scham. Nein, Danke. ist ein visuelles Manifest gegen gesellschaftliche Normen und Rollenbilder, und für das Recht, sich selbst zu definieren.

Es ist ein Plädoyer für Sichtbarkeit, Selbstbestimmung und die Freiheit, sich nicht zu schämen.

Heimat – Identität – Einheit

Gastfreundschaftliche Einladung

Samstag, 11. Oktober 2025 von 15:00 – 17:00 Uhr 1020 Wien, Mayergasse 3 Gehsteig vor dem MAGAZIN MAYERGASSE

Kontext: der Film “austroschwarz” von Mwita Mataro Szene: Teppiche, Sitzkissen, ein Banner, Musik zu jeder viertel Stunde, Redner_innen, Gäste

Teilnehmer_innen | Redner_innen:

Dalia Hassan, Künstlerin, Moderation

Barbara Ungepflegt, Performance Künstlerin

Dr. Ruby Jana Sircar

Anna Cseri, Kunsthistorikerin, Vorsitzende der Kulturkommission Leopoldstadt

Dr. Andreas Spiegl, Kulturwissenschafter

Ute Burkhardt-Bodenwinkler, Kunstverein fAN

Siunner / Holfeld Performance

Mwita Mataro

Kimyan Law, Musiker

Persy-Lowis Bulayumi, Sozialpädagoge

Hannah Lowe, Akademie der Bildenden Künste, Banner

Kontext:

Der Protagonist Mataro setzt sich mit der Frage auseinander, was der Begriff Heimat für ihn und andere schwarze Österreicher_innen bedeutet. Mataro will aufzeigen, dass sich auch er, ein gebürtiger Salzburger, als Österreicher fühlen darf ohne dabei den Anspruch auf den Heimatbegriff all jenen zu überlassen, die ihn als ein exklusives Gut betrachten.

Der Dokumentarfilm „austroschwarz“ begleitet den Musiker, Aktivisten und Kulturarbeiter Mwita Mataro. Er gibt darin Einblicke in sein Leben als schwarzer Mensch, die vor allem weiße Menschen darauf aufmerksam machen sollen, dass die Lebensrealität schwarzer Personen eine gänzlich andere ist. „AUSTROSCHWARZ“ ist ein Dokumentarfilm, der den schwarzen österreichischen Musiker Mwita Mataro portraitiert und ihm bei seiner Reise durch Österreich folgt. Der Film ist somit eine Mischung aus Roadmovie, Biopic und Essayfilm. 

Mataro geht es weniger darum rassistische Strukturen und Mechanismen aufzuzeigen, sondern vielmehr einen Film zu schaffen, der positiv in die Zukunft blickt und auch die schwarze Bevölkerung bestärkt und empowered.

Carmen Brucic | Claudia Fritz | Judith Klemenc

Milena Meller | Zita Oberwalder | Christine S. Prantauer

Nora Schöpfer | Maria Vill | Margret Wibmer

Vernissage am 4. Oktober 2025 um 11:00 Uhr

zur Ausstellung spricht Margit Zuckriegl, Kuratorin und Kunsthistorikerin

Finissage am 19. Oktober 2025 von 11:00 – 15:00 Uhr

11:00 Uhr: Künstlerinnengespräch mit Karin Pernegger, Kuratorin und Kunsthistorikerin

Kunstverein MAGAZIN MAYERGASSE

fAN

Land Tirol

Urban Jungle Vienna

Supersense

FOTO WIEN 2025

In dem kollektiv konzipierten Projekt setzen sich Carmen Brucic, Claudia Fritz, Judith Klemenc, Milena Meller, Christine S. Prantauer, Nora Schöpfer, Maria Vill, Margret Wibmer und Zita Oberwalder mit den Beziehungen von Körper und Raum auseinander. Gesellschaftskritische und identitätspolitische sowie poetische, ökologische und philosophische Reflexionen kommen sich dabei in Erörterung der Wahrnehmung von Wirklichkeiten nahe und öffnen Festschreibungen und Begrenzungen. Konzept und Organisation des Projektes verweisen auf die Möglichkeiten feministischer Selbstermächtigung und thematisieren den Körper – auch und gerade angesichts von Virtualisierungstechnologien und Künstlicher Intelligenz: als Ort, von dem aus wir die Welt wahrnehmen.
Das Medium Fotografie wird dabei durch installative, malerische und objekthafte Herangehensweisen erweitert. Im gemeinsamen Prozess wird das Projekt für jeden neuen Ort formal und inhaltlich weiterentwickelt. 2024 wurde eine erste Version des Projektes im FOTOFORUM Innsbruck gezeigt.

Matthias & Maximillian Bernhard

Ausstellung: 13.09.2025 – 27.09.2025

Vernissage: 13.09.2025, 17:00

Finissage: 30.09.2025; 17:00

fAN im Gespräch mit dem Künstler Matthias Bernhard

Musik von Kimyan Law „Austroschwarz“

Nur durch eine konsequente Fokussierung auf das Motiv des Kontakts, auf die vielfältigen transkulturellen Austauschprozesse, transdiziplinäres Arbeiten sowie auf die Analyse ihrer Wechselbeziehungen lässt sich das in der Globalen Kunstgeschichte tief verankerte dichotome Strukturdenken aufbrechen.

Begegnungen zwischen mindestens zwei Akteuren, die sowohl im Feld von Kooperation als auch von Konfrontation verortet sein können und aus künstlerischem wie politischem Interesse entstehen, eröffnen das Potenzial, die strikte Trennung zwischen westlichen und außereuropäischen (Kunst-)Geschichten zu relativieren.

Zentral ist daher die Frage, welche Motive und Bedingungen es Akteuren zu einem bestimmten Zeitpunkt ermöglichen, spezifische Denk- oder Handlungsweisen zu entwickeln, und inwiefern sie dadurch die ihren Subjektpositionen zugeordneten Denk- und Handlungsräume überschreiten können.

Begegnung von Sprachen.

Begegnung von Fläche und Raum.

Verbindung von Zeichnung und Skulptur.

Verbindung von Zwei- und Dreidimensionalität.

Plastischer Formbildungsprozess in der Fläche.

Verschiebung spezifischer Medienqualität.

Zusammenhang und Zerstörung.

Begegnung eines Brüderpaars.

Jenseits von Begrifflichkeit.

Autonomie der Bausteine.

Addition und Durchlässigkeit.

Umwandlung der Werkstoffe.

Methoden vergessen.

Disparate Zeitlichkeit.

Das Vorher und das Folgende.

Zugriffe und Relation.

Abdrücke nach Außen und Innen.

Inhaltliche Analogie.

Dinge vor der Sprache.

(Matthias Bernhard, 2025)

Die Brüder Matthias ( * 1985) und Maximilian ( * 1990) Bernhard wurden beide in Kitzbühel geboren.
Matthias ist Maler (Klasse Gunther Damisch, AdbK Wien), Max Bildhauer (Klasse Harald Klingelhöller, AdbK Karlsruhe).

Was beide verbindet, ist das Bekenntnis zu einer offenen Form und einem prozesshaften Arbeiten. Beiden geht es um ein Aufheben von Grenzen. Gemeint sind einerseits die klassischen Gattungsgrenzen, andererseits aber auch jene zwischen Kunst und Leben. (Dr. Günther Moschig)

https://matthiasbernhard.com/
https://www.maximilianbernhard.com/

Johanna Kleedorfer – Marcus Balogh

Fotografie und Illustration

Zwei Stile, zwei Menschen, ein Schweinehund

https://johannakleedorfer.myportfolio.com/illustration

https://marcus.balogh.at/

Vernissage: 18. Juni. 2025 | 18:00 Uhr

Finissage: 18. Juli 2025 | 18:00 Uhr

In dieser gemeinsamen Ausstellung treffen zwei unterschiedliche künstlerische Ansätze und Persönlichkeiten aufeinander.

Die Fotografien von Marcus zeigen alltägliche Orte, reduziert auf Struktur, Fläche und Komposition. Oft menschenleer, ruhig und zurückhaltend – eingefangen von einem analytischen Beobachter.

Die Illustrationen von Johanna setzen dazu einen Kontrast: Eine eigenwillige Figur tritt in diese stillen Bildwelten ein. Sie bringt Farbe, Bewegung und eine gewisse Unruhe mit, die sowohl frei, aber manchmal auch etwas plump wirkt – als wäre sie in die Szene gestolpert.

Begleitet wird sie von einem eigensinnigen Gefährten – halb Dackel, halb Schwein. Der Schweinehund steht dabei stellvertretend für alles, was uns zurückhält.

Was wie ein Gegensatz klingt, ergänzt sich überraschend gut – so wie wir. Wir gleichen oft gegenseitig aus, was dem anderen fehlt. Gemeinsam könnte man meinen, wir sind ein halbwegs kompetenter, kompletter Mensch.

Nur der Schweinehund ist immer dabei. Wir sind Mitte/Ende 30, Eltern, kreativ – und fühlen uns genauso verloren wie viele andere in unserem Alter. In einer Welt voller Möglichkeiten weiß man manchmal nicht, wo man hingehört. Und überhaupt: Warum fühlt man sich ständig, als müsste man mehr sein?

Dieses Projekt ist eine Einladung, klein sein zu dürfen. Kleine Dinge tun. Dumme Dinge tun. Die eigene Mittelmäßigkeit feiern. Auf die ewige Selbstoptimierung scheißen.

Kreativsein soll keinen Druck machen, sondern Druck wegnehmen. Es muss nicht immer Wumms machen. Es soll Freude machen.
Obwohl: Jeder, der schon mal eine Dose in der Hand hatte, weiß – ohne Druck geht auch nix weiter.

Öffnungszeiten jeweils

Donnerstags von 18:00 – 20:00 Uhr und

Samstags von 15:00 – 18:00 Uhr

Vernissage: 16. Mai 2025 um 18:00 Uhr, es spricht Andreas Spiegl

Finissage: Samstag, 7. Juni 2025

um 18:00 Uhr spricht der Philosoph Robert Pfaller über sein neues Buch „Das Lachen der Ungetäuschten“

https://robert-pfaller.com

ab 19:00 Uhr: Elisabeth Flunger – Solo mit Metallobjekten

http://www.eflunger.com

In Kooperation mit fAN

https://www.fineartnetwork.net

PERSONA

Persona kommt vom lateinischen per-sonare, durchtönen und bezeichnet eine Theatermaske im kultischen Theater. Diese ursprünglich griechischen Masken besitzen eine trichterförmige Mundöffnung, durch die gesprochen wird, daher personare.

Das Gesicht, lateinisch facies, so meine Behauptung, ist immer eine Maske.

So etwas wie das wahre Gesicht gibt es nicht. Immer spielen wir eine Rolle.                                                                                                                 

Das Antlitz ist für uns Menschen wohl die interessanteste Oberfläche auf der Welt und stellt in der nonverbalen Kommunikation der Primaten sicher den wichtigsten Teil dar. Alle Emotionen werden vor allem durch das Gesicht ausgedrückt, sind in ihm zu lesen. Wir sind von Kleinkindesalter an geschult darin zu lesen.

Sehr schnell ziehe ich mit dem Pinsel ein Oval, setze mit hingeworfenen  Tupfern Augen, Brauen und Nasenlöcher. Am schwierigsten ist der Mund, dabei kann am meisten schief gehen. Unglaublich, wieviel der Bruchteil eines Millimeters in den Mundwinkeln auf oder ab ausmacht. Diese Gesichter sind keine Portraits. Wie ein Gesicht am Ende aussieht, entwickelt sich im Prozess und ist nur begrenzt steuerbar. Ich versuche es zu lernen.

Der Blickwinkel auf die Gesichter wird nie verändert. Alle sind mehr oder weniger gleich und doch so verschieden. Stilisierte, stereotype Striche für Haare, männliche oder weibliche Frisur, entscheiden ob ein Mann oder eine Frau zu erkennen ist. Oft bleibt das auch unentschieden.

Die Anmutung dieser Gesichter, Personae, ist asiatisch, japanisch und das kommt nicht von ungefähr: Meine Tochter hat mir vor 2 Jahren zu Weihnachten ein japanisches Tuschmalerei Set geschenkt, mit Sumi-e Pinseln, Reibetusche und Sumipapier. Erst wußte ich nicht, was damit tun. Bald war ich bei Gesichtern und habe immer weiter gemacht. Diese Art der meditativen Wiederholung ist etwas spezifisch asiatisches, etwas, dem auch ich viel abgewinnen kann. In frühen Copy Art Versuchen habe ich mich schon darin geübt.

Auch in meinen partizipativen, performativen Spiegelskulpturen interessieren mich Gesichter, Blicke, das einander Wahrnehmen, einander Erkennen. Das Dialogische ist eine Grundkonstante in meinem Werk, das Gegenüber-Sein einer Person ist immer da.

Die Arbeit an diesen Personae sehe ich als meditative Übung. Ich habe in 2 Jahren mehr als 5000 von diesen Arbeiten gemacht und sehe ihre Herstellung immer noch  als Übung. Laut Richard Sennet muss man sich    10 000 Stunden mit etwas beschäftigen, etwas tun, bis man es beherrscht. Aber darum geht es gar nicht. Es geht um Leichtigkeit, vielleicht um Eleganz, im schnellen Hinwerfen. Es bleibt ein Üben. Ich will nichts, jedenfalls nicht Meisterschaft. Dennoch bin ich sehr streng im Auswählen der Gesichter, die ich zeige. Es sind immer nur um die hundert Blätter. Dabei suche ich Unterschiede. Ich möchte ein breites Spektrum an Charakteren vorstellen.  Es ist bisher vielleicht nur eine Handvoll wirklich berührender Zeichnungen entstanden. Und es ist immer der Zauber des Moments, wenn eine dieser besonderen, guten Arbeit entsteht, der mich antreibt weiter zu machen.  Zen oder die Kunst des Gesichterzeichnens.  

Text: Michael Baumgartner

Projekt PatInnen: Urban Jungle Apartments

Kooperation: Kunstverein fAN und Magazin Mayergasse

13. Dezember 2024 im

Urban Jungle Apartments, 1020, Mayergasse 6

Fotos: Marcus Balogh

Vernissage am 28. November 2024 um 18:00 Uhr im

Magazin Mayergasse 1020 Wien, Mayergasse 3

Gedanken zur Ausstellung von Sophie Wratzfeld

Finissage am 20. Dezember 2024 um 18:00 Uhr

Foto: Ulrich Aydt

Foto: Magazin Mayergasse

Text zur Ausstellung von Pia Aydt

„lost and found“ ist ein Raum der Dualität – ein Ort der Enttäuschung und der Hoffnung, des Verlusts und des Wiederfindens. Es ist nicht nur ein physischer Raum, sondern auch ein innerer Zustand, in dem wir uns selbst begegnen.

Was geschieht mit den Dingen, während sie verloren sind?

Und was passiertmit uns, wenn wir uns oder unser Bewusstsein verlieren? Können wir uns fallen lassen, frei sein, während wir verschwunden sind, oder drohen wir, unterzugehen? Werden wir vermisst oder vergessen?

In diesem Zustand sind wir unsichtbar, schwebend, zerbrechlich, manipulierbar. Doch ist das Verlorensein ein bloßer Zufall, ein unglücklicher Schicksalsschlag – odervielleicht eine bewusste Entscheidung?

Und wenn wir wiedergefunden werden – kann irgendjemand nachvollziehen, wo wir waren und was wir empfunden haben in unserer Abwesenheit?

Die Ausstellung von Pia Aydt erkundet die Reise des Verlorenseins und Wiederfindens in einer bildhaften Sprache, die dort ansetzt, wo Worte fehlen. Ihre Buntstift-zeichnungen auf Karton geben der inneren Zerbrechlichkeit und Unsichtbarkeit eine Form, in der sich das Zeitgefühl verändert: Stundendehnen sich zu Tagen, Erlebnisse verschwimmen zu Erinnerungen. Gedanken versuchen, Worte zu finden, doch oft bleibt die Sprachlosigkeit.

Mit einer Mischung aus figurativen Darstellungen und abstrakten Elementen visualisiert Aydt diese Grenzerfahrungen. Ihre Werke bieten einen intimen Einblick in das Gefühl, verloren zu sein, und den Prozess des Wiederentdeckens – sowohl von sich selbst als auch von den Dingen, die uns entgleiten.

Text zur Ausstellung von Sophie Wratzfeld

In Pias Arbeiten finden sich comichafte, androgyne Figuren in un-definierten räumlichen Strukturen wieder, die weder zeitlich noch örtlich definiert sind. Alleine oder zu zweit navigieren sie meist ohne direktes Handlungsmotiv durch eine größtenteils zweidimensionale Welt, in der der Raum und die in ihm befindlichen Objekte in geo-metrische Formen oder ornamentale Flächen aufgelöst werden. Auch die Protagonisten selbst sind den physikalischen Gesetz-mäßigkeiten dieses Universums unterworfen. Ihre Gliedmaßen verrenken sich auf groteske Weise, werden fragmentiert und ver-zerrt oder verschmelzen zu fließenden Farbblöcken. Sie verhaften an der Raumoberfläche und nehmen selbst eine architektonische Dimension an.

Im Vordergrund der Arbeiten dieser Ausstellung steht das Ver-schwimmen von Grenzen, sowohl physischer als auch psychischer Natur. „Lost and Found“ markiert für Pia einen fragilen Zwischen-zustand zwischen Sein und Nicht-Sein, die Figuren sind wortwörtlich „in der Schwebe“, ihre physische Existenz nicht greifbar. Mit stoischer, monotoner Miene verweilen sie eingefroren in Raum und Zeit. Ausgehend von der Frage “Was geschieht mit den Dingen, während sie verloren sind?“, lotet sie das Vakuum zwischen dem Verlieren und Wiederfinden aus.

Der Zustand des Dazwischenseins lässt sich auf entscheidende Umbrüche im Leben übertragen, bei denen man etwas Altes zurücklässt, ohne zu wissen, was Neues auf einen zukommt. Er ist oft mit innerer Unruhe, Unsicherheit, Angst und Ungewissheit verbunden und wird zur Metapher eines generationellen Gefühls-lage auf der Suche nach Zugehörigkeit, Sicherheit, Gemeinschaft und Akzeptanz. Im Dazwischensein überlagert sich der Schmerz des Verlustes mit dem hoffnungsvollen Aufbruch und verkörpert die Widersprüche unseres inneren Erlebens. Der Raum dazwischen wird bei Pia zu einem meditativen Refugium, wattig abgepolstert von der äußeren Realität, der die Einkehr von schöpferischer Stille ermöglicht.

Analog zur Auflösung emotionaler Eindeutigkeiten, verschwinden auch die körperlichen Trennlinien bei Pia’s Figuren, Körper und Raum verschränken sich in fließenden Bewegungen miteinander.

Ausstellungseröffnung im MAGAZIN MAYERGASSE

Alexandra Stern

Maria Wiebersinsky

Gilles Becker

Vernissage:   Freitag, 11. Oktober 2024 um 16:00 Uhr

Achtung !!! Finissage bereits am
Sonntag, 27. Oktober 2024 um 16:00 Uhr

Öffnungszeiten:

Donnerstags 17:00 – 19:00 Uhr,

Sonntags 16:00 – 18:30 Uhr oder nach Vereinbarung: 0676 4246840

magazin-mayergasse@balogh.at

1020 Wien, Mayergasse 3

Ausstellungseröffnung im MAGAZIN MAYERGASSE

Andreas Rosenthal  |  Georg Kvapil
Musik: Kachelklang

Vernissage:   Freitag, 6. September 2024 um 18:00 Uhr
Finissage:       Freitag, 4. Oktober 2024 

1020 Wien, Mayergasse 3

Ausstellung: 7.7.2024 – 21.7.2024
Vernissage: 07.07.2024
Finissage: 21.07.2024

fAN in Kooperation mit Magazin Mayergasse 3, 1020 Wien

Ewa Kaja
Ewa Kaja beschäftigt sich in ihren Werken mit dem Körper, der Körperoberfläche und eröffnet Fragen nach Identitäten, Sichtweisen, Klischees, Moral und zeitgenössichen Tabus.

Die Künstlerin zeigt welch zwingende, geheimnisvolle Kraft in der Verkoppelung von Schönheit und Vergänglichkeit steckt. Sie stellt mit ihren Arbeiten die Frage “ob Schönheit nicht prinzipiell eine Abwehr gegen den Tod ist.” (Freud, “Vergänglichkeit”, 1915).

Sie lädt uns ein auf ein Spiel, dem Wechsel zwischen Erscheinung und Wirklichkeit zu folgen. Die bildende Künstlerin Ewa Kaja bietet mit ihren körperthematischen Fotografien die Möglichkeit tabuisierte Themen der Gesellschaft zu untersuchen.

Geboren in Lodz, lebt und arbeitet in Wien;

1988–93 Graphik und Malerei Studium an der Akademie der bildenden Künste Lodz, Polen,

1994–97 Bildhauerei Studium an der Akademie der bildenden Künste Wien, Österreich

Kontakt: www.ewakaja.com

Valentin Postlmayr
Valentin Postlmayrs Urgroßmutter Emma war eine manische Sammlerin von Dingen mit Vogelmotiven. Darunter befand sich auch eine kleine goldene Halskette mit einem Käfig und einem Amethystkorn als Vogel darin, die Valentin Postlmayr als kleiner Junge von seiner Großmutter geschenkt bekam.

Verzaubert von diesem Geschenk, trug er es noch in der Nacht im Bett, was jedoch damit endete, dass er Stunden später mit einem Schmerzensschrei und Weinen aus dem Schlaf geweckt wurde. Die Halskette enthielt Nickel, auf das er allergisch reagierte, aber weil er zu klein war, konnte er sie nicht ohne Hilfe öffnen und riss sich daran blutig.

Die Vögel von Valentin Postlmayr sind eine Form der Selbstbefragung. Jeder Vogel arbeitet einen Aspekt seiner Persönlichkeit durch und korrespondiert mit den anderen Vögeln und mit Ewa Kajas Portraits. Die Wirkung der Vögel ist in einer Gruppe am stärksten.
Als Schauspieler ist Valentin Postlmayr mit der Gestaltung von Figuren und Figurenstudien vertraut, was sich auch in seinen grafischen Arbeiten widerspiegelt.
Ob die Eule als Ausdruck der Weisheit, die Taube als Symbol des Friedens oder der Pfau als eitelstes Geschöpf im Tierreich, Vögel sind seit jeher eine beliebte Projektionsfläche für menschliche Emotionen. Als Boten des Himmels sind sie wohl die stärkste Manifestation des Bedürfnisses nach Transzendenz, Freiheit und Erlösung.

Geboren und aufgewachsen in Oberösterreich, studierte Valentin Postlmayr zunächst Biologie, bevor er sich an der MUK Wien für ein Schauspielstudium qualifizierte. 
Seit seinem Abschluss 2017 arbeitet Valentin Postlmayr als freier Autor, Filmschauspieler und Künstler in Wien. 

Kontakt: valentin.postlmayr@hotmail.de

Alexandra Stern

Maria Wiebersinsky

Gilles Becker

Ausstellung 02.06. – 27.06.2024

Ausstellung 04.04. – 26.04.2024

Kathrin Wenzl

Kathrin Wenzls geometrisch-abstrakte Landschaften strahlen eine Klarheit aus, gepaart durch Ruhe und Stärke. In ihren Bildern thematisiert sie den Berg als Ort der Sehnsucht und als Symbol der Kraft. Auf der Suche nach Harmonie – von Farben und Formen sowie letztendlich einem ausgewogenen Gesamtbild – experimentiert die Künstlerin in jedem Bild aufs Neue mit dieser persönlichen und zugleich so existentiellen Herausforderung.

Mit ihrem  einzigartigen Stil aus klaren Linien, Formen und Farben interpretiert  die Künstlerin das klassische Genre der Landschaftsmalerei vollkommen neu. Ausgehend von der “Magie der weißen Fläche” exerziert sie im überlegten Spiel mit Linien, Formen und Farben die Beschaffenheit des Berges, seine Schattenformationen und seine Wirkung als mögliche Erscheinungsformen dieses Bildgegenstandes durch. In zugleich mächtigen wie beruhigten Formationen türmen und breiten sich ihre gewaltigen Gebirgslandschaften harmonisch über die Leinwand aus. Gegenständlich als Landschaften – meist Berge und Gebirgsformationen – erkennbar, sind ihre Sujets aber auch als rein abstrakte Gebilde lesbar. 

Das Resultat sind Bilder, die durch ihre dreidimensionale Wirkung eine auf verschiedenen Ebenen wirksam werdende Anziehung und Faszination ausüben, den Betrachter auf einzigartige Weise in den Bann ziehen und letztendlich – gerade in einer herausfordernden Zeit – zur visuellen  Herausforderung werden. Kraft und Stärke resultieren in purer Harmonie – als Suche nach einem Ausgleich der Kräfte.

In Oberösterreich aufgewachsen, absolvierte Kathrin Wenzl ihr Kunststudium an der Akademie der bildenden Künste in Wien. Seit 2019 arbeitet sie im eigenen Atelier.

Hans Glaser

1948 in Haag am Hausruck, Oberösterreich, geboren

Lebt seit 1952 in Wien

1970-1975 Studium an der Universität für angewandte Kunst Wien bei Franz Herberth (Malerei, Druckgraphik, Fotofrafie) und Wolfgang Baminger

1975 Diplom mit Auszeichnung (Druckgraphik)

1978-81 Ausstellungskonzeption NöArt – Niederösterreichische Gesellschaft für Kunst und Kultur

1996/97/98 freie Mitarbeit beim Magazin „Wienerin“ (Fotografie)

1998 Teilnahme Symposium Wladimirovska, Russland

Auslandsstipendien:

1975/76 Türkei, 1978 Rom, 1993/94 Los Angeles

Studienreisen:

1988-91 Ausgedehnte Studienreisen nach Asien

1990-91 Westafrika

1995 Amerika (Fotografien)

1997 Ghana (Fotodokumentation)

2000 Südafrika-Aufenthalt

Künstlerische Lehrtätigkeiten:

1981-88 Lehrauftrag an der Universität für angewandte Kunst Wien (Malerei und Druckgraphik)

1993 Workshopleitung Exp. graphische Techniken, Sommerakademie Malerei und neue Medien KulturAXE, Schloss Mojmirovce, SK

1996 Workshopleitung Radierung – Zeitnotizen, „Raumzeit Zeitraum“ – Sommerakademie Malerei und neue Medien KulturAXE, Schloss Topolcianky, SK

1997 Workshopleitung Malerei & Zeichnung, „Isolation Kommunikation“ – Sommerakad. Malerei und neue Medien KulturAXE, Schloss Topolcianky, SK

1999 Workshopleitung Malerei und Zeichnung exp., „Time Warp“ – Int. Sommerakademie KulturAXE, Schloss Topolcianky, SK

2001 Workshopleitung Fotografie, Exp. Gestaltungen, „Art at Work 2001“ – 11. Int. Kunstsymposium KulturAXE, Ricsovary, HU

2004 Workshopleitung Fotografie – Exp. Techniken und Portraitfotografie, „Landscapes of Desire“ – 14. Int. Kunstsymposium KulturAXE, Gizycko, PL

2005 Workshopleitung Fotografie – Reflections,  „Landscapes of Desire“ – 15. Int. Kunstsymposium KulturAXE, Schloss Fertörakos, HU

2006/07/08 Internationale Sommerakademie Zakynthos, Fotografie und Kleinskulpturen

Seit 2008 jährlich ISSA Akademie für Kunsttherapie, Sommerseminare, Kleinskulpturen, A